5 Types de Scènes Difficiles et Comment Les Conquérir

Réalisation, Réalisation de Films, Narration Visuelle

15 septembre 2018 – Réalisation, Réalisation de Films, Narration Visuelle

Pratique, pratique, pratique!

Comme le dit le proverbe, vous devez mettre 10 000 heures de pratique dans quelque chose pour devenir un praticien phénoménal de cette chose. (Cela peut prendre moins de 10 000 heures, mais c’est une autre histoire.) Eh bien, cela peut faire mal de penser à combien de temps cela signifie que vous devez vraiment consacrer pour devenir un maître de votre métier. Je comprends.

N’y pensez pas trop fort. Il suffit de pratiquer lorsque vous en avez l’occasion et d’en faire une habitude.

Donc, une excellente façon de devenir un grand cinéaste est de pratiquer certaines des scènes les plus courantes.

Chacun de ces types de scènes révèle quelque chose d’important à propos de vos personnages, crée ou résout un conflit, ou fait avancer l’histoire, ils sont donc importants à mettre sous votre ceinture si vous n’avez pas essayé de les filmer auparavant.

Cet article de Yeah Write! approfondit les éléments d’une scène, ce qui fait fonctionner une scène et quel est le but d’une scène.

Fondamentalement, une scène imite un film entier en ce sens qu’elle a un début, un milieu et une fin, et devrait révéler quelque chose sur vos personnages lorsqu’ils prennent des décisions actives vers un objectif.

Cela dit, vous devez vous assurer que votre scène contient tous les éléments importants du drame pour la rendre efficace et pas simplement une scène de remplissage.

La scène du dîner

Cette scène est d’une simplicité trompeuse. L’erreur que j’ai faite quand j’ai commencé en tant que cinéaste était de penser qu’avoir une scène de dîner « normale » montrait que mon personnage principal était un père de famille (ou quelque chose comme ça). Juste en l’ayant là-dedans.

Au lieu de cela, la scène semblait fausse, car il n’y avait pas de conflit dans la scène – quelle famille n’a jamais de conflit à table?

En n’ayant aucun conflit, mes personnages ne révélaient rien sur eux-mêmes, et l’histoire n’était pas avancée. C’était essentiellement une perte de temps.

Une scène de dîner (ou n’importe quel repas, vraiment) est une excellente occasion de raconter des histoires. Vous emmenez votre public et l’insérez dans l’un des moments les plus privés de quiconque; manger un repas à la maison, loin des regards indiscrets du public.

Ils sont probablement les plus détendus et vulnérables et peuvent révéler quelque chose sur eux-mêmes.

Que se passe-t-il s’ils mangent en famille, mais sont totalement coincés et mal à l’aise? Ou, peut-être que votre personnage mange tout seul dans un petit appartement jonché de mégots de cigarettes et de bouteilles vides.

Voyez ce que je veux dire?

Astuce rapide: pensez au cadre du repas, aux personnes présentes et à leurs objectifs pendant le repas afin d’en révéler plus sur vos personnages dans cette scène. Cette ventilation par chaîne YouTube « Now You See It » explique en profondeur la puissance des scènes de restauration.

La scène de poursuite à pied

Ce type de scène est à la fois amusant à filmer mais aussi difficile à réaliser. Utiliser les bons types de prises de vue, objectifs / focales et montage pour rendre la scène énergique et intense n’est pas aussi simple que cela puisse paraître.

Bien que vous ne réussissiez peut-être pas très bien lors de votre premier essai, la pratique et la révision de votre travail par la suite sont essentielles pour maîtriser cette scène. Si vous pouvez le clouer, cela devient un excellent outil pour faire avancer l’intrigue et injecter un peu d’excitation dans votre film.

Rappelez-vous, cependant, que la scène doit révéler des choses sur votre personnage et que votre personnage doit le faire pour atteindre un objectif spécifique.

Si nous n’avons pas de raison de nous soucier de l’issue de la poursuite, ce ne sera pas intéressant. Est-il paresseux, un sur-performant, trop confiant? Peut-être poursuit-il un criminel mais le laisse intentionnellement s’enfuir, révélant qu’il cache peut-être quelque chose?

Conseil rapide : utilisez des objectifs longs pour photographier des personnages se déplaçant d’un côté à l’autre, et utilisez des objectifs plus larges pour photographier des personnages se déplaçant vers ou loin de l’appareil photo, ce qui leur donnera l’impression de se déplacer plus rapidement qu’ils ne le sont. Vous pouvez également obtenir d’excellents résultats en suivant derrière ou devant un personnage.

La scène du combat au poing

Si vous allez de l’avant et pratiquez cela, vous n’avez rien à faire de trop fou. Cependant, savoir tirer un combat est bon de savoir le faire à la rigueur. Vous avez déjà eu besoin qu’un personnage frappe quelqu’un au visage?

Les cinéastes débutants peuvent avoir du mal à vendre cette action simple et simple devant la caméra.

Cela m’a certainement dérouté au début!

Comme la poursuite à pied, un combat au poing comporte une variété de défis techniques, car vous devez « tricher » la position de vos acteurs et de votre caméra pour simuler qu’ils se frappent réellement.

En ce qui concerne la narration, un combat au poing ou une lutte physique est une méthode légitime pour qu’un personnage tente de résoudre un conflit ou un problème.

Votre personnage peut même prendre une mauvaise décision, mais c’est un choix fort qui révèle beaucoup de choses sur votre personnage.

Il suffit de s’assurer que les altercations physiques font avancer l’histoire et ne sont pas là uniquement pour elles-mêmes.

Conseil rapide: le bras / poing de l’acteur doit toujours cacher l’écart entre son poing et le visage des autres acteurs, comme le montre Ryan Connolly dans la ventilation vidéo ci-dessous.

Oh, et pour bien rire, vérifiez ceci.

La scène itinérante

Les scènes itinérantes ne sont pas que des transitions à l’emporte-pièce!

C’est une scène polyvalente en ce sens qu’elle peut vraiment en dire beaucoup à votre public – si vous l’utilisez bien.

Une scène de voyage peut aller d’un montage de votre personnage en voyage épique à un voyage d’une ville à l’autre, ou même à quelques pâtés de maisons.

Cependant, dans ce laps de temps assez court, le public voit beaucoup de choses.

Environnement. Construction du monde. Ton. Attitude de caractère. Comment le personnage interagit avec son monde. Comment ils s’intègrent dans le monde.

Ignorent-ils leur environnement ? Les gens les évitent-ils? Prennent-ils les ruelles en regardant prudemment? Les gens leur crachent-ils des insultes?

Leur monde est-il occupé et plein de stimulus? Est-ce une ville de campagne lente?

Donnez à votre public une idée du monde dans lequel habite votre personnage et dites-lui un peu qui il est et ce qu’il fait.
Les scènes de voyage sont souvent utilisées comme une transition, comme passer d’une ville à l’autre en fonction de la progression de l’intrigue, mais vous devriez toujours essayer d’utiliser ce temps pour montrer à votre public quelque chose sur votre personnage.

Conseil rapide: regardez une scène où votre personnage voyage. Pensez aux couches d’informations que vous pouvez transmettre à travers cette scène – qui, quoi, quand, où et pourquoi – et essayez de communiquer plus que l’évidence à travers votre scène de voyage.

La scène de l’exposition

Exposition: « l’insertion d’informations de fond importantes dans une histoire; par exemple, des informations sur le cadre, les histoires de personnages, les événements antérieurs de l’intrigue, le contexte historique, etc. »(Wikipedia)

La règle de base pour les cinéastes est « montrer, ne pas dire ». C’est extrêmement important. Vous devez toujours chercher des moyens d’intégrer des informations vitales dans votre histoire à travers les actions des personnages et leur monde.

L’exposition, si elle est mal faite, a tendance à dire, pas à montrer. Donc, ce n’est qu’une fois que vous avez intégré autant d’informations que possible dans la scène par des moyens non dialogués que vous devez utiliser le dialogue.

À ce stade, le dialogue peut être un bon moyen de communiquer des informations (comme dans cette grande ventilation de la façon d’utiliser le dialogue), mais vous devez aller au but, et vous devez le rendre intéressant!

N’asseyez pas vos personnages et ne faites rien d’autre que de bavarder, de s’en prendre au public. Non seulement c’est ennuyeux, mais well eh bien, c’est en fait une excellente raison de ne pas le faire.

Une partie de votre travail consiste à divertir le public.

Une façon de gérer l’exposition est « la marche et la conversation ».

Parfois, la promenade et la conversation peuvent servir de scène itinérante (d’un endroit à un autre) et de moyen de livrer une exposition. Il peut en montrer beaucoup sur le monde du personnage, sa vie bien remplie et fournir des informations qui seront importantes pour plus tard dans l’histoire.

La vidéo ci-dessous suggère certaines façons d’utiliser efficacement le texte et le dialogue pour communiquer des informations sans nuire à votre public.

Vous pouvez également utiliser une scène de voyage pour permettre aux personnages de fournir des informations importantes tout en passant à une étape cruciale de l’histoire. Cela peut être un voyage en avion, en bus, en voiture ou dans un autre mode de transport.

Conseil rapide: essayez de communiquer autant d’informations que possible avec action, ton et construction du monde. Tout ce que vous devez dire au public par le dialogue, demandez à vos personnages de le dire tout en faisant quelque chose de pertinent ou d’intéressant. Voyager, construire quelque chose, cuisiner, faire des blagues, lutter pour amener les enfants à la table du dîner, faire de la randonnée jusqu’à leur aveugle de chasse… n’importe quoi – gardez-le divertissant.

Oh, et puis il y a ça:

Essayez ceux-ci et bien d’autres

Comme je l’ai dit, la clé est de pratiquer. Ce n’est évidemment pas une liste exhaustive des types de scènes, des façons de les exécuter ou de ce que vous devriez essayer. Quoi qu’il en soit, je vous encourage à sortir une caméra, à appeler quelques amis et à essayer ces scènes. Bonne chance!

Auteur

 Avatar  Avatar

Nick LaRovere

Entrepreneur & Conteur. Co-fondateur d’Occulus Films. J’adore travailler avec des équipes pour créer des films et des contenus vidéo commerciaux attrayants et attrayants. Les films préférés incluent Blade Runner et Mad Max: Fury Road.

Laisser un commentaire

Votre adresse e-mail ne sera pas publiée.