5 tipi di scena impegnativi e come conquistarli

Regia, regia, Narrazione visiva

Settembre 15, 2018-Regia, regia, narrazione visiva

Pratica, pratica, pratica!

Come dice il proverbio, è necessario mettere 10.000 ore di pratica in qualcosa per diventare un professionista fenomenale di quella cosa. (Potrebbe effettivamente richiedere meno di 10.000 ore, ma questa è un’altra storia. Beh, può far male a pensare a quanto tempo che significa che si ha realmente bisogno di mettere in per diventare un maestro del tuo mestiere. Lo capisco.

Non pensarci troppo. Basta praticare quando si ha la possibilità e renderlo un’abitudine.

Quindi, un ottimo modo per diventare un grande regista è praticare alcune delle scene più comuni.

Ognuno di questi tipi di scena rivela qualcosa di importante sui tuoi personaggi, creare o risolvere un conflitto, o far avanzare la storia, quindi sono importanti per ottenere sotto la cintura se non hai provato a sparare loro prima.

Questo articolo da Yeah Write! approfondisce gli elementi di una scena, cosa fa funzionare una scena e qual è l’obiettivo di una scena.

Fondamentalmente, una scena imita un intero film in quanto ha un inizio, un centro e una fine e dovrebbe rivelare qualcosa sui tuoi personaggi mentre prendono decisioni attive verso un obiettivo.

Detto questo, è necessario assicurarsi che la scena ha tutti gli elementi importanti del dramma per renderlo efficace e non semplicemente una scena di riempimento.

La scena della cena

Questa scena è ingannevolmente semplice. L’errore che ho commesso quando ho iniziato come regista è stato pensare che avere una scena di cena “normale” mostrasse che il mio personaggio principale era un padre di famiglia (o qualcosa del genere). Solo per averlo lì dentro.

Invece, la scena sembrava falsa, perché non c’era conflitto all’interno della scena–quale famiglia non ha mai conflitti a tavola?

Non avendo alcun conflitto, i miei personaggi non hanno rivelato nulla di se stessi e la storia non è stata avanzata. Era essenzialmente una perdita di tempo.

Una scena di cena (o qualsiasi pasto, in realtà) è una grande opportunità per la narrazione. Stai prendendo il tuo pubblico e inserendolo in uno dei momenti più privati che qualcuno abbia; mangiare un pasto a casa, lontano dagli occhi indiscreti del pubblico.

Sono probabilmente più rilassati e vulnerabili e possono rivelare qualcosa su se stessi.

Cosa succede se stanno mangiando con la famiglia, ma sono totalmente stipati e a disagio? Oppure, forse il tuo personaggio sta mangiando tutto solo in un piccolo appartamento disseminato di mozziconi di sigarette e bottiglie vuote.

Vedi cosa intendo?

Punta rapida: pensa all’impostazione del pasto, alle persone presenti e quali sono i loro obiettivi durante il pasto per rivelare di più sui tuoi personaggi in questa scena. Questa ripartizione per canale YouTube “Ora lo vedi” approfondisce quanto siano potenti le scene da pranzo.


The foot chase scene

Questo tipo di scena è sia divertente da girare, ma anche impegnativo per tirare fuori. Utilizzare i giusti tipi di scatti, obiettivi/lunghezze focali e editing per rendere la scena energica e intensa non è così semplice come potrebbe sembrare.

Mentre potresti non fare molto bene al primo tentativo, praticare e rivedere il tuo lavoro in seguito è la chiave per padroneggiare questa scena. Se riesci a inchiodarlo, diventa un ottimo strumento per far avanzare la trama e iniettare un po ‘ di eccitazione nel tuo film.

Ricorda, però, che la scena dovrebbe rivelare cose sul tuo personaggio e il tuo personaggio dovrebbe farlo per raggiungere un obiettivo specifico.

Se non abbiamo un motivo per preoccuparci dell’esito dell’inseguimento, non sarà interessante. È pigro, un overachiever, troppo sicuro di sé? Forse sta inseguendo un criminale, ma intenzionalmente lo lascia scappare, rivelando che potrebbe nascondere qualcosa?

Suggerimento rapido: usa lenti lunghe per riprendere i personaggi che si muovono da un lato all’altro e usa lenti più larghe per riprendere i personaggi che si muovono verso o lontano dalla fotocamera, il che li farà sembrare muoversi più velocemente di quanto non siano. È inoltre possibile ottenere grandi risultati tracciando dietro o di fronte a un personaggio.


La scena del pugno

Se vai avanti e pratichi questo, non devi fare nulla di troppo pazzo. Tuttavia, sapere come sparare un combattimento è bene sapere come fare in un pizzico. Mai avuto bisogno di avere solo un pugno personaggio qualcuno in faccia?

I registi principianti possono avere difficoltà a vendere questa singola azione diretta sulla fotocamera.

Mi ha certamente confuso all’inizio!

Come l’inseguimento a piedi, una lotta a pugni viene fornita con una varietà di sfide tecniche, dal momento che devi “imbrogliare” la posizione dei tuoi attori e della tua macchina fotografica per simulare che si stanno effettivamente colpendo l’un l’altro.

Per quanto riguarda la narrazione, una lotta a pugni o lotta fisica è un metodo legittimo per un personaggio per tentare di risolvere un conflitto o un problema.

Il tuo personaggio potrebbe anche prendere una cattiva decisione, ma è una scelta forte che rivela molto del tuo lui, comunque.

Devi solo assicurarti che gli alterchi fisici avanzino la storia e non ci siano solo per il loro bene.

Suggerimento rapido: il braccio/pugno dell’attore dovrebbe sempre nascondere il divario tra il pugno e la faccia degli altri attori, come dimostra Ryan Connolly nella ripartizione video qui sotto.

Oh, e per una bella risata, controlla questo.


La scena di viaggio

Le scene di viaggio non sono solo per le transizioni di cookie-cutter!

Questa è una scena multiuso in quanto può davvero dire molto al tuo pubblico-se la usi bene.

Una scena itinerante può variare da un montaggio del tuo personaggio in un viaggio epico, a viaggiare da una città all’altra, o anche solo a piedi a pochi isolati.

Tuttavia, in quel lasso di tempo piuttosto breve, il pubblico vede molte cose.

Ambiente. Costruzione del mondo. Tono. Atteggiamento del carattere. Come il personaggio interagisce con il suo mondo. Come si inseriscono nel mondo.

Ignorano l’ambiente circostante? Le persone le evitano? Prendono i vicoli, guardandosi intorno con cautela? Le persone sputano insulti contro di loro?

Il loro mondo è occupato e pieno di stimoli? È una città di campagna lenta?

Dai al tuo pubblico un senso del mondo in cui abita il tuo personaggio e racconta loro un po ‘ chi sono e cosa fanno.
Le scene di viaggio sono spesso utilizzate come transizione, come passare da una città all’altra come una questione di progressione della trama, ma dovresti sempre cercare di usare quel tempo per mostrare al tuo pubblico qualcosa sul tuo personaggio.

Suggerimento rapido: dai un’occhiata a una scena in cui il tuo personaggio è in viaggio. Pensa agli strati di informazioni che puoi trasmettere attraverso questa scena-chi, cosa, quando, dove e perché–e cerca di comunicare più dell’ovvio attraverso la tua scena di viaggio.

La scena dell’esposizione

Esposizione: “l’inserimento di importanti informazioni di base all’interno di una storia ;ad esempio, informazioni sull’ambientazione, i retroscena dei personaggi, gli eventi della trama precedenti, il contesto storico, ecc.”(Wikipedia)

La regola empirica per i registi è ‘mostra, non dire’. Questo è incredibilmente importante. Dovresti sempre cercare modi per costruire informazioni vitali nella tua storia attraverso le azioni dei personaggi e il loro mondo.

L’esposizione, se fatta male, tende a raccontare, non a mostrare. Quindi, solo una volta che hai costruito quante più informazioni possibili nella scena attraverso mezzi non dialoganti dovresti usare il dialogo.

A quel punto, il dialogo può essere un buon modo per comunicare le informazioni (come in questa grande ripartizione di come usare il dialogo), ma è necessario arrivare al punto, ed è necessario renderlo interessante!

Non far sedere i tuoi personaggi e non fare altro che chiacchierare, assecondare il pubblico. Non solo è noioso, ma well beh, in realtà è un ottimo motivo per non farlo.

Parte del tuo lavoro è quello di intrattenere il pubblico.

Un modo per gestire l’esposizione è ‘the walk and talk’.

A volte il camminare e parlare può raddoppiare come una scena itinerante (da un luogo all’altro) e il modo di fornire esposizione. Si può mostrare molto sul mondo del personaggio, la loro vita frenetica, e fornire informazioni che saranno importanti per più avanti nella storia.

Il video qui sotto suggerisce alcuni modi in cui potresti utilizzare efficacemente testo e dialogo per comunicare informazioni senza assecondare il tuo pubblico.

Puoi anche usare una scena itinerante come un’opportunità per far sì che i personaggi forniscano informazioni importanti e allo stesso tempo raggiungano un passo successivo fondamentale per la storia. Questo potrebbe essere in viaggio su un aereo, autobus, in auto, o un altro modo di trasporto.

Suggerimento rapido: cerca di comunicare quante più informazioni possibili con azione, tono e costruzione del mondo. Qualunque cosa tu abbia bisogno di dire al pubblico attraverso il dialogo, fallo dire ai tuoi personaggi mentre fai qualcosa di rilevante o interessante. Viaggiare, costruire qualcosa, cucinare, scherzi, lottando per ottenere i bambini a tavola, escursioni a loro caccia cieco anything qualsiasi cosa-basta tenerlo divertente.

Oh, e poi c’è questo:

Prova questi e molti altri

Come ho detto, la chiave è esercitarsi. Questo ovviamente non è un elenco esaustivo dei tipi di scene, dei modi in cui puoi eseguirli o di cosa dovresti provare. Indipendentemente da ciò, ti incoraggio a tirare fuori una macchina fotografica, chiamare un paio di amici e provare queste scene. In bocca al lupo!

Autore

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Nick LaRovere

Imprenditore & Narratore. Co-fondatore di Occulus Films. Mi piace lavorare con i team per creare film accattivanti e coinvolgenti e contenuti video commerciali. I film preferiti includono Blade Runner e Mad Max: Fury Road.

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